Ett liv på raden: Firar tre decennier av Nasreen Mohamedis arbete

När hon levde märktes Nasreen Mohamedis arbete knappt av marknaden och granskades nästan aldrig. Idag firar en utställning i Madrid henne som en modern mästare. Vem var den här avskilda artisten?

Här var en konstnär vars verk blev mindre i storlek, som bara arbetade i rader och begränsade hennes verk till ett visst element. Det baserades på tanken att avstå från många saker - figurer, färger och föremål. (Källa: Jyoti Bhatt och Asia Art Archive)

I ett rum utan möbler satt en kvinna i tystnad och såg skuggorna flaga över de nakna, vita väggarna. Andra dagar skulle hon ligga på golvet, med en arkitekts tavla, penna i handen och en rad precisionsinstrument utspridda runt henne. I Baroda på 1970 -talet hade Nasreen Mohamedi hittat ett lugnt hörn för sig själv i en studiolägenhet. Efter att klasserna kommit över vid bildkonstavdelningen vid MS University fanns det inga fler anspråk på konstnärens tid. Hennes dagböcker återspeglade svårighetsgraden hon omgav sig med. Jag känner behovet av att förenkla, läser en post, medan en annan, på ett styrt papper, säger: Skuggan kom och stod på sin plats som igår.

Mohamedi föddes i Karachi 1937. Hon växte upp i Mumbai under den nationalistiska kampen och partitionen. Hon studerade i London och Paris, innan hon slutligen bosatte sig i Baroda. Ändå lämnade Mohamedis resor ingen tydlig prägel på hennes känslighet. Hennes ritbord bestod av tomma pappersark. Hennes favoritmedium var pennan. Hon ritade linjer och invecklade sträckor av massiv grafit, som varvades med tomma mellanrum. Hon vägrade att teoretisera sitt arbete och lämnade dem öppna och, många gånger, utan titel. Hon gick på en väg hon ristade ut för sig själv vid den tiden då hennes samtidiga som Tyeb Mehta och MF Husain höjde högt på färger och storheten i figurativa berättelser. Hon valde att finslipa en exceptionell förståelse för abstrakt konst.

Tjugofem år efter hennes död (hon gick bort i Kihim, nära Mumbai, av Huntingtons sjukdom vid 53 års ålder 1990) firas Mohamedi som en global modern mästare. En pågående utställning - ett samarbete mellan Kiran Nadar Museum of Art, Delhi, The Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía i Madrid och Metropolitan Museum of Art i New York - ger oss tre decennier av Mohamedis arbete. Med titeln Nasreen Mohamedi: Waiting is a Part of Intense Living, showen pågår i Madrid till 11 januari 2016 och reser till New York 1 mars till 5 juni.

Den samlar den största samlingen av hennes verk (207) och överbryggar för första gången luckorna i berättelsen om Mohamedis liv, både personliga och konstnärliga.

Mohamedi föddes i en nära familj, ett av åtta barn. Hennes mamma gick bort när hon var väldigt ung. Hennes far var modern i sin syn och trodde på att utbilda flickor. Han ägde en fotografisk utrustningsbutik i Bahrain, bland andra familjeföretag i landet. Resor till ökenstaden skulle så småningom sätta igång Mohamedis djupa intresse för fotografi. De hade också ett familjehem i byn Kihim, Bombay, där hon spenderade mycket tid på att promenera vid havet.

Inte mycket är känt om hennes konstnärliga färdigheter i barndomen, men 1954 säkrade Mohamedi en plats på St Martin's School of Art i London för att studera konst vid 16 års ålder. 1961 åkte hon till Paris på stipendium. Mellan London och Paris var en kort vistelse i Bombay, när hon gick med i Bhulabhai Institute for the Arts. Strax efter var Gallery 59 värd för hennes första separatutställning. Hon träffade inflytelserika abstraktionister Gaitonde och Jeram Patel i staden. Medan Gaitonde blev hennes mentor och hjälpte unga artister som hon och Zarina Hashmi att utveckla en sublim estetik av abstraktion, var det Patel som blev hennes långvariga vän och kollega. I en betydande uppsats med titeln Elegy for an Unclaimed Beloved: Nasreen Mohamedi 1937–1990, noterar Mohamedis nära vän och konsthistoriker Geeta Kapur, If we in the Indian situation we want to find a single complementary (also in a paradoxical sense, contradictory) artist vis -för Nasreen borde det äntligen vara Jeram Patel.

Mohamedis tidigaste verk kommer från hennes tid i London, där vi ser en omedelbar avvisning av den mänskliga anatomin. Det finns några försvinnande försök att fånga den mänskliga formen, men de inkluderar linjer och brutna konturer. Ibland, om hon ritade figurer, koncentrerade hon sig till exempel på kläderna, sariens mönster. Kroppen tilltalade henne aldrig, säger kurator Roobina Karode, student vid Mohamedi, som har hjälpt till att organisera den aktuella utställningen.

Showen, som täcker hennes tidiga verk i slutet av 1950-talet till slutet av 1980-talet, utforskar subtila övergångar från ett medium till ett annat-från tidiga skisser till dukbaserade akvareller och oljor, till slut penna och grafit. Medan han skaffade konst till showen hittade Karode 70 verk, som aldrig visats tidigare, från olika privata samlare över hela världen. Några av verken har lånats ut av Glenbarra Art Museum Collection i Japan, Mohamedi -godset i Mumbai, Talwar Gallery i New York och konstnärer som Jyoti Bhatt och Nilima och Gulammohammed Sheikh.

På St Martin's vände sig Mohamedis fascination mot naturinspirerad abstraktion. Hon målade bara några dukar, mestadels naturalistiska framställningar av sin omgivning, och övergav dem sedan för alltid. Hon skulle gå vidare till geometriska mönster och slutligen rutnätet på 1970 -talet.

Rutnätet skiftade också form-från de initiala tvådimensionella strukturerna som spred sig från kant till kant, uppmjukade av mörka linjer, flyttade Mohamedi till ljusare. Även linjerna var färre. Medan abstraktionen tog många former i Indien i verken av Ambadas Gade, Gaitonde, SH Raza och Mohan Samant, förblev Mohamedis domän distinkt. Hon var inte benägen att vara en del av berättelsen efter självständigheten i den modernistiska bildkonsten. De flesta av hennes kamrater försökte arbeta med olja som medium, flyttade till större dukar, arbetade i större skala, deras berättelser blev större. Här var en konstnär vars verk blev mindre i storlek, som bara arbetade i rader och begränsade verk till ett visst element. Det baserades på tanken att avstå från många saker - figurer, färger och föremål. Jag tror inte att någon valde att arbeta i ett sådant ordförråd, säger Karode. I en av hennes dagboksanteckningar noterar Mohamedi detta sinnestillstånd: Maximalt ur minimum.

svart och orange taggig larv

Det verkar som om hennes linjer gick i takt med hennes eget liv - med åldern blev nyanserna ljusare, linjerna minimala, tills man kunde känna att de försvinnande krusningarna långsamt bleknade in i den tomma sidan.

Hon vägrade att teoretisera sitt arbete och lämnade dem öppna och, många gånger, utan titel. När hennes samtidiga som Tyeb Mehta och MF Husain valde storheten i figurativa berättelser och färg, finslipade hon en exceptionell förståelse för abstrakt konst. Ett annat namn utan namn från 1960. (Källa: Kiran Nadar Museum of Art)

Från Paris återvände hon till Indien 1970 och begav sig först till Delhi. Det här nya konsthubben var dynamiskt och intressant, och medan han bodde på en barsati i Nizamuddin återförenades Mohamedi med många av hennes Bombay -kollegor. Några av dem inkluderade artister som Gulammohammed, Nilima Sheikh och Arpita Singh. Fotografen Jyoti Bhatt påminner om att hon bodde hos henne vid den tiden. Hon var en mycket helgonisk person, väldigt enkel. Hon gav mig några böcker om fotografering eftersom hennes familj hade en fotobutik i Bahrain. Hon
fick mig intresserad av matematiska mönster. Hon var intresserad av islamisk konst och det har mycket att göra med matematik, säger 81-åringen.

1972 utsågs Mohamedi till lärare vid fakulteten för konst vid MS University. Detta drag hjälpte henne att hitta en spets i den större gemenskapen av konstnärer. Medan konstgemenskapen var liten och sammansvetsad över hela landet, var Baroda, säger Gulammohammed, lika intim som en storfamilj. Där blev Mohamedi nära honom och hans fru Nilima. Jag brukade träffa henne i Delhi men det var bara i Baroda som jag lärde känna henne väl. Vi undervisade på samma avdelning. Vi brukade dela en studio. Hon gjorde sitt bästa arbete vid den tiden och jag fick se dem, säger Nilima, som blev en nära vän. Den avlidne konstnären begav Nilima och Gulammohammed hennes sista oljemålning när de två gifte sig. Det är en del av den aktuella utställningen.

Men bara i sina dagböcker skulle hon avslöja sig själv. Dagböckerna, som hon förde ihjäl sig från 1960 -talet till 1980 -talet, har hjälpt kritiker och forskare att förstå hennes process. Ofta, medan han skapade nya verk, skulle Mohamedi omge sig med gamla. Som för referens, säger Nilima. Jag brukade tycka att den delen av hennes kreativa process var mycket intressant. Hon älskade också musik, särskilt Bhimsen Joshi.

Karode råkade också vara Mohamedis granne i Baroda. Hon minns levande hennes kärlek till vävda saris, särskilt de med linjer. Hon hade en känslig stilförståelse. Men hennes saris var inte bara svartvitt. Hon bar också djupt mättade röda eller gröna, säger Nilima, Hon var förtjust i färg. Det är inte sant att bara för att hon ritade i svartvitt, bar hon dem också. Hon hade ett sensuellt förhållande till färg. Hon gillade färg i andras verk. Svart och vitt var bara ett val hon gjorde i sin egen konst.

Som lärare var Mohamedis metoder ovanliga. Karode minns att Mohamedi tog sina elever utanför klassrummen istället för att hålla dem inomhus. Vivan Sundaram minns tydligt sina klasser vid MS University. Hon ville låta eleverna veta att de bör observera små detaljer i naturen och inte bara efterlikna dem. Hon letade efter essensen i enkelhet och form och det var hennes huvudverk, säger den 72-åriga konstnären.

alla sorters blommor i världen

Nilima, som undervisade i samma avsnitt och fokuserade på färg och design, säger: Hon radikaliserade tanken på att rita. Det var intressant att hon aldrig ägnade sig åt ett föremåls volym och djup. Hon hanterade rumsliga relationer. Mohamedi höll ofta små utställningar i sitt vardagsrum, där hon skulle visa sina skisser i en L-formad formation på golvet. Eleverna gick i en rad, såg verken, kramade henne och gick. Inte ett enda ord skulle utbytas. Tystnad innebar inte brist på kommunikation för henne, säger Karode.

Mohamedis personliga dagböcker avslöjar konturerna av hennes fantasi. Sidorna, av vilka ett 20 -tal visas på utställningen, skildrar en tyst, inre dialog inom konstnärens huvud. De avslöjar en tankeväckande och intensiv process. De har en kvalitet på ett Haiku- eller Rumi -talesätt, säger Sundaram.

Hon skrev mycket mer på 60- och 70 -talen. Med tiden blev dagböckerna tomare, säger Karode. Hennes tidigare skrifter inkluderade utvalda passager eller referenser från Garcia Lorca, Rainer Maria Rilke, Friedrich Nietzsche och Albert Camus, tillsammans med poster som hänvisade till Sufi, Upanishadic och Zen traditioner. I dagböckerna noterade hon det tydliga inflytandet från artister som Paul Klee och Vassily Kandinsky.

Mohamedi tog också fotografier under hela sitt arbetsliv, några även under hennes omfattande resor som konststudent i London. Hon tänkte aldrig visa fotografierna offentligt. Beroende på den fysiska upplevelsen att gå, stöta på, stanna, positionera, vända 180 grader på hälarna för att se bara ett objekt på marknivå, är det fotografierna som markerar, utan någon programmerad avsikt från Nasreen, skärningen mellan senmodernist och minimalistisk estetik. Det finns i dessa fotografier en känsla av design, även en diskret teater, konstaterar Kapur.

Mohamedis konstnärliga produktion är fortfarande inte helt sammanfattad, på grund av att de flesta är avsiktligt odaterade, osignerade och utan titel av konstnären. Detta utgör en utmaning för konsthistoriker och forskare. De flesta av hennes verk har med tiden tagit plats för privata samlingar över hela världen, särskilt i Japan och USA. Det kommer alltid att finnas några om och men runt hennes verk eftersom de är av sådan typ att det inte är lätt att konstruera ett konsthistoriskt berättande. Det finns mycket mer att förstå om henne, säger Karode. Reina Sofia och Metropolitan Museum of Art -utställningarna, säger Deepak Talwar, är en kulmen på många års ansträngningar, av dem som sveptes av hennes arbete och sedan stegade upp antingen som gallerist, kurator eller samlare, inklusive ett avgörande steg Kiran (Nadar) för att stödja en omfattande utställning av Nasreen 2013, säger den 50-årige ägaren till Talwar Gallery. Talwar Gallery har varit en viktig del av denna forskning, tillsammans med Milton Keynes Gallery, Kiran Nadar Museum of Art och Tate Liverpool.

Intresset, men säger Nilima, var alltid där. Hon var en konstnärs konstnär. Konstgemenskapen ägnade sig åt henne och hennes verk. Även bland de internationella cognoscenti var hon mycket älskad. Visst, vid den tiden marknadsfördes inte konstnärer lika bra som nu, säger hon. Karode påminner dock om att hon bara läste en recension av den avlidne artisten medan hon levde. Alla visste att hon gjorde unika saker, men hon fick inte den uppmärksamhet hon förtjänade när hon levde, säger hon.

På 1960 -talet visste Mohamedi att hon hade Huntingtons sjukdom. En neurodegenerativ störning, det påverkar muskelkoordinationen och leder till mental nedgång och beteendeproblem. Det är också genetiskt. Hon hade sett sina yngre bröder gå bort av sjukdomen. Vi vet att Nasreens kropp förlorade sina motoriska funktioner från 1980 -talet och blev gradvis dysfunktionell. Det fanns i slutet en märkligt splittrad rörelse av lemmarna som kunde utvecklas till dans av en flygande marionett, skriver Kapur. Under senare år skulle hon använda sin arkitekts ritare för att hantera ofrivilliga rörelser och rita. Hon använde precisionsinstrument för geometriska abstrakta mönster. Flera av hennes vänner skulle ta henne till sjukhuset när hon skulle bli sjuk. Hon åkte slutligen till Mumbai 1990. Strax före avresan skrev hon ett brev till alla sina vänner. Det var som om hon hade en föraning om sin död, säger Bhatt.

Mohamedi gick bort den 14 maj 1990 i hennes by Kihim, Mumbai. Hennes grav är en osmyckad jordhög nära havet.