Sandeep Narayan -intervjun: 'Jag vill att min konsert ska vara så äkta och så verklig som möjligt'

Den karnatiska klassiska sångaren Sandeep Narayan tror på samtida värderingar även när han utövar vad som anses vara en konservativ konst. Nyfiken på att veta vem som var stjärnmusikern som utbildade honom och formade hans perspektiv på konst och liv? Läs detta engagerande samtal.

Den karnatiska klassiska sångaren Sandeep Narayan uppträder på en konsert. (Expressfoto: Ramanathan Iyer)

Att ta ett barn ur skolan i USA under sina uppväxtår och skicka honom till Chennai för att lära sig karnatisk musik var en ganska okonventionell idé på 1990 -talet. Ingen hade gjort det förut, men Narayans i Los Angeles var sådana älskare av karnatisk musik att de trodde att deras begåvade son inte får missa den fördel som barn i hans ålder hade i Chennai.

Deras son var bara 11 år gammal och var naturligt benägen för musik eftersom allt han hörde hemma sedan hans tidiga barndom var karnatisk musik. Han hade lärt sig karnatisk musik sedan han var fyra år av sin mamma Shubha Narayan, som själv hade en välkänd musikalisk stamtavla. Men när den unga pojken blev för lekfull tyckte hans föräldrar att han formellt skulle lära sig av en annan guru. De frågade Chennai-baserade flöjtmaestro N Ramani, som undervisade Sandeeps äldre bror flöjt, om han kunde hjälpa. Efter betydande eftertanke föreslog Ramani att pojken skulle komma till Indien och lära sig av Calcutta KS Krishnamurthi, en välkänd musikolog och en mycket eftertraktad lärare för högre artister.

För Krishnamurti var begäran lite ovanlig eftersom han inte hade lärt ut några NRI, än mindre ett barn, förutom förmodligen de från familjer som permanent hade flyttat till Indien. Han provade på grund av Ramani, var imponerad av pojkens tidiga träning och insikt och tillät honom att lära sig under honom.

Pojken stannade i Indien i cirka 18 månader med sin mamma och genomgick en ganska rigorös utbildning under Krishnamurti som var fylld med klasser, konserter och obeveklig träning. När han återvände till USA hade han en sund grund, en mycket starkare anknytning till klassisk musik och en djup önskan att göra det stort inom karnatisk musik. Han fortsatte att träna under Krishnamurthi genom sina inspelningar och direktlektioner i Chennai under sommar- och vintersemestrar.

Läs | Akkarai Sisters: 'Karnatisk musik är en spontan konst, inte något som kan repeteras till perfektion'

Tyvärr för pojken dog Krishnamurti på tre år och han lämnades utan lärare av liknande kaliber. Men den här gången behövde familjen inte leta efter en annan guru, för pojken, som nu var i tonåren, hade redan riktat blicken mot en ny guru, som redan var en stjärna i sig själv och en högre lärjunge till Krishnamurti . Pojken, fortfarande baserad i USA och gör halvårliga resor till Indien, lärde sig av sin nya guru under de kommande 15 åren, och är nu en av få samtida karnatiska musiker som har fått en stil som är unik för hans egen guru. Träningen med den nya gurun var livsförändrande och pojken flyttade permanent till Chennai 2006 efter att ha avslutat sina grundutbildningar. Han är nu en av de bästa stjärnorna i den yngre generationen Carnatic-musiker och den första indianamerikanska unge som någonsin gjort Carnatic-musik till en karriär i Indien.

Detta är historien om Sandeep Narayan, den coola killen av karnatisk musik som är känd för en stil som är rik på klassicism, uttryck och improvisation. Han är en prime-time sångare i Chennais Sabhas inklusive Madras Music Academy och är en mycket eftertraktad klassisk artist i andra indiska städer. Han är också en av de yngre generationens klassiska musiker som kan ta konsten till den nya generationen och korsa publiken.

Sandeep, begåvad med en attraktiv röst som är flexibel och kan enkelt flytta över oktaver och känd för sin djupt uttrycksfulla stil, är en härlig artist som lockar imponerande finsmakare av klassisk musik från alla åldersgrupper både i Chennai och på andra håll. Han är ganska skicklig på alla aspekter av klassisk sång och hans stil är rik på välskulpterade gamakor, brigor och attraktiva musikaliska ljud som gör karnatisk musik tilltalande även för lekmännen. Den inneboende laya av hans sång, både i långsamma och höga hastigheter, ger en viss klarhet, balans och en behaglig gång till hans musik. Hans välskärade klassiska tekniker och informerade exponering för andra former av musik och konst gör hans improvisationer charmiga och övertygande, oavsett om det är ragasång, neraval (improvisation av att sjunga ett refräng från huvudkompositionen), kalpanaswaras (där sångaren engagerar sig i en fantasifull presentation av ragans noter) och viktigast av allt, Raga Tanam Pallavi (RTP), som mäter den tekniska och kreativa mångsidigheten hos en Carnatic -sångare.

Sandeep är mottagare av många regionala och nationella utmärkelser. Han har varit en bästa konsertartist vid Musikhögskolan och mottagare av många titlar som Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar från Sangeet Natak Akademi förra året.

vilken sorts träd är en ek

Det som gör honom lite unik är också det faktum att han inte är en gammal konservativ Carnatic-sångare. Förmodligen kan du kalla honom en samtida konservativ, vilket innebär att han tror på samtida värderingar även när han utövar vad som anses vara en konservativ konst. Och musiker som han visar att även en ålderdomlig konst som karnatisk musik kan vara ganska samtida och framåtblickande.

Nyfiken på att veta vem som var stjärnmusikern som utbildade honom och formade hans perspektiv på konst och liv? Läs detta engagerande samtal.

Sandeep Narayan tar emot SNA Yuva Puraskar från Manipur -guvernören Najma Heptullah 2019.

Låt mig börja från början. Du var en föregångare som det första indianamerikanska barnet som valde att driva karnatisk musik som en karriär i Indien. Hur gick det till och vad känner du när du ser tillbaka? Var du tvungen att genomgå många livsstilsanpassningar?

På den tiden visste jag nog inte vad jag skulle göra och det var ett slags experiment som så småningom fungerade. Jag visste verkligen att jag ville vara med i karnatisk musik och det kunde bara göras i Chennai. När det gäller livsstilsanpassning hade jag inga problem eftersom musik var viktigare än någonting annat: att lära mig musik, gå på konserter och så småningom uppträda. Det var målen. Jag håller faktiskt inte med människor när de säger att levnadsstandarden är något lägre här, eftersom det beror på vad du letar efter och vad dina värderingar är. Jag kan hävda att levnadsstandarden faktiskt är bättre här. Du får många saker som gör ditt liv lyckligare här, lättare. Till exempel, om jag vill ta en kopp chai behöver jag inte köra till Starbucks, jag kan gå några meter till någon te -kadai (butik)! Jag har också underbara vänner här. Ärligt talat är jag ganska nöjd.

Var det lätt att anpassa sig med en indisk guru i ett musiksystem som verkar ganska konservativt än idag?

Min första guru i Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), var inte särskilt ortodox och vi kom väldigt bra överens. Det var roligt att det fanns denna 11-åriga unge med en mycket stark amerikansk accent som ville lära sig musik av en senior vidwan. Han var lite skeptisk, men efter att ha hört mig sjunga var han glad. Efter vår första klass berättade han för mig att han skulle börja lära mig på en högre nivå eftersom han trodde att jag var mer kapabel än barn i min ålder. Något klickade definitivt mellan oss.

Du hade kommit till Indien sedan 1996 för att lära dig under Calcutta Krishnamurti och vid hans bortgång flyttade du till en annan guru och lärde dig under honom länge tills du blev ganska självständig. Kan du beskriva din utveckling som musiker i Chennai?

KSK Mama uppmuntrade mig att utforska manodharma ganska tidigt. Fram till den tiden hade jag gjort väldigt lite improvisationsmusik som alapana, neraval, swaras etc. Han lärde mig också många nya ragor och gav en annan riktning och djup åt min musikaliska strävan.

År 1999, när han gick bort, var jag tvungen att lära av någon annan och den enda jag hade i åtanke var Sanjay Subrahmanyan. Jag kände honom redan innan jag gick till KSK Mama eftersom vår familj hade träffat honom under hans konsertturné i USA 1995. Redan som barn var jag ett stort fan av honom och hade följt honom religiöst sedan 1996-97. När jag var i Chennai brukade jag gå på hans konserter och sitta på första raden. Han lärde sig också av KSK Mama tillsammans med andra välkända artister som Sudha Raghunathan och P Unnikrishnan, bland andra. Jag blev verkligen stjärnskadad och tyckte också att det var häftigt att jag lärde mig av samma guru som Sanjay Subrahmanyan också lärde sig.

Läs | Publiken kommer för att njuta av musik, inte för att se din matematiska trollkarl: Neyveli Venkatesh

Så när min guru inte fanns mer frågade jag Sanjay om han kunde lära mig. Jag var helt säker på mitt val, men han var lite tveksam eftersom han efter att ha lärt sig av KSK Mama, som var mycket senior och mycket äldre, trodde att jag skulle fortsätta med någon i den generationen. Men för mig passade Sanjay perfekt. Jag kom så bra överens med honom och det tyckte mina föräldrar också.

Med mig och Sanjay var det ingen idé. Vi brukade prata om sport, filmer, andra musikstilar etc.

Lär du dig fortfarande av honom?

Jag brukade lära mig av honom regelbundet till ungefär 2014-15. Gradvis blev klasserna mindre frekventa på grund av mina ökande resor och hans redan upptagna reseskema. Han ville också att jag skulle lära mig och expandera på egen hand. Jag är mer självständig nu med mitt lärande, men jag konsulterar honom med alla musikfrågor som jag har då och då. Till exempel, för två år sedan skickade jag ett meddelande till honom om jag kunde lära mig ett par låtar och han tvingade omedelbart. Än idag, om jag har något att förtydliga i musik, går jag till honom.

Som du vet hittar människor mycket inflytande från Sanjay i din musik, inklusive några gester, ljudmanier, sangathis etc.

Ja, jag vet (skrattar). Men de som följer Sanjays och min musik har också märkt hur och när jag har avvikit från Sanjay Sirs stil. De som lyssnar i förbifarten och vet att jag är hans student kommer naturligtvis att göra den föreningen och kommentera eventuella likheter, verkliga eller upplevda.

Det andra inflytandet är också hans inställning till själva konserten. Det finns en viss professionalism som han har och det har smittat av mig också som jag är mycket tacksam för honom. Han respekterar andra artister, organisationer och publiken. Han har sagt till mig: Tänk aldrig att publiken är dum. Ta aldrig dem för givet. Det är en sak som jag alltid kommer ihåg och försöker hålla fast vid mina konserter. Hans fokus och allvar är imponerande: han äger den hallen, hela rummet, när han är på en konsert.

Det är bättre att kalla sångaren Sandeep Narayan för en samtida konservativ, vilket innebär att han tror på samtida värderingar även när han utövar vad som anses vara en konservativ konst. (Expressfoto: Rajappane Raju)

Sanjays stil handlar mycket om innovation. Hur innovativ är du på scenen?

Jag kanske går på en konsert och tänker att jag ska sjunga något, särskilt den dagen, men det fungerar inte alltid så. Istället kan något annat hända. Se, det finns mycket musik i huvudet när du sitter på den konsertscenen på grund av ditt ständiga lyssnande och lärande - från populärt till klassiskt - och plötsligt dyker det upp något i ditt huvud. När sådana saker händer, gillar jag att utforska det. Det är verkligen en sak som jag fick från mina guruer och andra artister. Om något kommer i ditt huvud, utforska det. Säg inte nej. Se vad du kan göra med det inom ramen för vår struktur så att det inte blir något annat. Carnatic concert är inte en filmmusikkonsert, inte heller en fusionskonsert, men inom dess ram finns det fortfarande möjlighet till kreativitet. Det är så jag gillar att närma mig det.

Du hade varit känd för att obevekligt träna i timmar tillsammans under dina första år. Nu när du har fullt upp med konserter och turnéer, hur hanterar du det?

Under min senaste turné i USA frågade många barn mig hur mycket man borde öva för att nå en viss nivå. Mitt svar på det var att det inte finns någon formel. Det fanns aldrig en formel för mig. Och det handlar definitivt om kvalitet framför kvantitet. Du måste bara fortsätta jobba hårt och ha förtroendet för dig själv att saker kommer att klicka en dag. När jag bodde i USA var träningen mycket svårare med skola, högskola etc. På högskolan var även ett problem att hitta en plats eftersom jag delade lägenhet med tre andra. Men på den tiden lyssnade jag på mycket musik för att kompensera för det, och när jag gick hem varje månad tränade jag 2-3 timmar varje dag. När jag flyttade till Chennai var det inte så många problem och jag kunde träna minst 2-3 timmar på morgonen och ytterligare 2-3 timmar på eftermiddagen eller kvällen regelbundet. Jag brukade också gå på konserter nästan varje dag oavsett vem artisten var. Med andra ord, jag fyllde hela min tid med musik vid den tidpunkten. Mycket var repetition.

Upprepning är hur vetenskap fungerar. Du upprepar, du perfekt, eller hur?

Ja, något elever i dag bör tänka på är att de inte bara ska lära sig en låt och sedan gå vidare till nästa. En sak som tidigt borrades in i mitt huvud var att du måste sjunga en sång hundra gånger. Det var vad de bästa artisterna, särskilt förr, visste och gjorde. Någonstans i mitten glömdes det bort med många blivande musiker. Och jag erkänner att jag ibland är offer för den inställningen: jag tror att jag har lärt mig en låt, jag har sjungit den några gånger och nu vill jag sjunga den på en konsert så snart som möjligt. Det kanske fungerar den dagen och jag kanske är säker, men när jag sjunger samma låt efter en månad, två månader eller sex månader, skulle den dagens version och den första versionen vara mils isär. När du sjunger en låt första gången reciterar du den bara, men när du tränar den så många gånger under en period kan den bli din låt. Du reciterar inte något som du har memorerat längre, det är en del av dig. Jag ser det än idag. Upprepning är en sak jag har insett genom åren som så viktig. Jag sjunger varnamn om och om igen. Olika hastigheter, med olika gamakam -utforskningar, olika saker som det.

Nu med konserter och resplaner har jag inte kunnat träna så mycket, men jag försöker avsätta minst en eller två timmar om dagen. På resdagar kommer träningen att vara som en konsertöversikt: vad man ska sjunga och vad man ska undvika eftersom jag inte skulle vilja upprepa låtar och ragor som jag skulle ha sjungit på samma plats tidigare. Till exempel, den här gången när jag skulle på Chembai -festivalen i Guruvayoor, insåg jag plötsligt att jag inte har sjungit Rasavilasa (Swathi Thirunal -låt i raga Kamboji) på väldigt länge. Så under bilresan från Coimbatore flygplats till Guruvayoor lyssnade jag på en inspelning av den och försökte fräscha upp minnet. I slutändan sjöng jag inte den för det fanns en begäran om en annan låt, men jag är glad att den finns i minnet och jag planerar att sjunga den snart igen.

Karnatiska musiker är kända för att använda olika rösttekniker för att perfekta sin sång, ibland även med hjälp av röstspecialister. Har du några?

Vad jag har insett är att vår musik i sig har så många inbyggda övningar. Även de grundläggande sakerna som sarali-varisai och janta-varisai är övningar i sig. Tyvärr har de blivit märkta som nybörjarens steg för att lära sig ett varnamn och när du slutar med det flyttar du till swara jathis och geetham och tenderar att inte se tillbaka. Men dessa saker är tidlösa. Det är så bra övningar som har lagts ut för oss. Den sitter där i dina första geetham -böcker. Jag sjunger ibland dem i olika ragor och i olika hastigheter, samtidigt som jag behåller tydligheten. Det i sig är en sådan fantastisk röstövning. Det har blivit en rolig utmaning för mig.

Sandeep Narayan uppträder vid en konsert i Chennais Kapali -tempel 2019.

Även Varnams är så bra övningar. Hastigheten går långsamt till snabbt, melodin sträcker sig ofta från mycket låg till mycket hög, och vi gör swaram, sahithyam, etc. allt i det. Så röstövningarna kommer faktiskt med vår musik. Vi måste bara utforska och använda dem på rätt sätt.

Men jag har också diskuterat med utbildade proffs om vilka typer av uppvärmnings- och nedkylningsövningar som kan hjälpa till att behålla din röst. Vi tycker vanligtvis inte att nedkylning är nödvändig, men det är som alla andra muskler och andra träningspass i ett gym, och på samma sätt krävs disciplin och övning i båda.

Numera finns det stor efterfrågan på variation och därför måste en konstnär ständigt utöka sin repertoar. Sätter det press på dig?

För kanske decennier sedan kunde man sjunga samma uppsättning låtar om och om igen i stad efter stad, och även polera dessa låtar i processen. Idag, med tillkomsten av sociala medier och digitala plattformar, kan du dock inte göra så mycket. Om jag sjunger en sång eller raga på ett ställe skulle alla i andra städer lära känna nästan omedelbart. Om jag upprepar det i en annan stad snart skulle de säga att jag sjunger samma låtar överallt och kommenterar att jag kanske inte vet något annat! Så att sjunga nya låtar oftare har blivit något av en nödvändighet. Nackdelen är att om du ständigt sjunger nya saker kan du inte komma djupare in i de låtar du vill behärska. Så det kan definitivt vara mycket press. Som jag nämnde tidigare bör man helst sjunga en låt flera gånger innan den presenteras offentligt, vilket också kan påverka rösten när man hela tiden försöker uppdatera repertoaren för varje konsert.

Abhishek Raghuram -intervju: ”Det finns inget rätt och fel i konsten. För mig handlar det om självuttryck '

Mitt tillvägagångssätt är att ge en fräschör även i gamla låtar, förutom att sjunga nya. Det är inte bara för publiken, utan också för mig själv. Om jag sjunger något idag som jag sjöng för 20 år sedan och om det fortfarande låter detsamma betyder det som musiker att jag inte har vuxit. Även om artister förmodligen hade kunnat komma undan med att sjunga en låt oftare än idag, har jag också märkt att de största artisterna inte bara hittade något som fungerade och fortsatte att göra samma sak. Istället fortsatte de mestadels att utvecklas. Du ser en sådan förändring och mognad i deras musik genom åren.

Men de tidigare mästarna hade inte den här typen av press att utöka sin repertoar

Jag vet inte säkert vilket tryck de tidigare mästarna hade eller inte hade. Men jag misstänker att det kan vara sant och det var därför de kunde sjunga några av sina varumärkeslåtar som blev deras hits som vi förknippar med dem. Låt oss inte glömma att de introducerade nya låtar och raga. Jag introducerades för några hindustanska ragor som Durga och Gavathi genom GN Balasubramaniams musik. Ibland gjorde de raga kända och ibland raga gjorde dem kända. Men det fanns dynamik även i detta tillvägagångssätt. Låten kan vara densamma, men de förde så nya idéer till swarasången, neravalen etc. Som ni vet hänvisar folk till och med till de låtarna efter deras inspelningsdatum. Artist X sjöng en oförglömlig låt Y år Z. Varför gör folk det? För även om låten eller raga är densamma, så är inte återgivningen. Om du känner att en artist efter fyra konserter låter likadant kanske du inte längre vill lyssna på honom/henne. Framgångsrika artister från förr och idag har alltid undvikit att falla i den fällan. De ger något annorlunda med varje föreställning.

Sandeep Narayan uppträder vid en konsert i Carnegie Mellon University, Pennsylvania, 2013.

Många tidigare mästare som människor avgudar nu hade inte fått vederbörligt erkännande under sin tid. Följer du något av deras arbete?

Det fanns några artister som vi ofta känner att vi inte uppskattade under sin tid jämfört med deras faktiska kompetens och bidrag. Folk pratar alltid om MD Ramanathan som ett exempel på det. Jag känner att Thanjavur S Kalyanaraman också var så. Och även om Madurai Somasundaram hade en hel del framgångar på sin tid, verkar han fortfarande inte gå in i historieböckerna i nivå med några av hans kamrater av tiden av vilken anledning som helst. År 2019 firade vi hans födelse hundraårsjubileum, Somu 100, på många ställen, men innan detta hördes knappt människor diskutera hans namn och hans musik de senaste åren. Det tycker jag är ganska udda.

Är det inte konstigt att folk pratar mer om Kalyanaraman nu?

Idag är han en kulthjälte. Jag tror att han i princip var före sin tid. Jag hör faktiskt många intressanta anekdoter om SKR från hans lärjungar, familjemedlemmar och vänner som kände honom personligen. En av dem är hur han forskat mycket i rösttekniker för att förbättra sina egna förmågor. På grund av dessa tekniker kunde han behålla precisionen i sruthi och laya. Jag fick faktiskt veta att han brukade sitta ensam på natten när allt var tyst och göra röstövningar. Han hade också utforskat dwi-madhyama panchama varjya ragas, något som var ett koncept som ingen egentligen hade utforskat mycket och var expert på vivadhi ragas. Människor ser på hans arbete med stor vördnad idag. Eller åtminstone, det gör jag verkligen.

När jag blir tillfrågad om vem som är den person jag önskar att jag kunde ha träffat och umgåtts med, är det alltid den som jag tänker på.

Eftersom du kommer från en annan sociokulturell miljö och utsätts för andra former av konst och musik i världen, påverkar det din musik?

Jag har alltid lyssnat på mycket västerländsk pop, rock, R&B, Hip Hop etc. Än idag gör jag det. Mina Spotify -spellistor är en blandning av amerikanska och brittiska baserade artister samt indiska. Att lyssna på icke-karnatiska musikstilar är ofta en frisläppande eller lättnad för mig. Karnatisk musik får mig alltid i stort fokus och har hela tiden hjärnan på. Det enda sättet för mig att stänga av det eller gå bort från det för en paus är att lyssna på andra stilar. Men jag vet inte hur mycket av det som har påverkat min Carnatic -musik. Jag tror inte att jag kan ta rap eller hiphop till carnatic (skratt)!

Men det kan finnas element i populärmusik eller andra former som kan berika eller lägga färg på din klassiska musik

Jag skulle säga att förmodligen gamla filmlåtar tenderar att ge sig lättare för karnatisk musik, särskilt om de är ragabaserade. Eller olika rytmiska mönster från andra stilar. De kanske inte är traditionella, men vi kan ta in dem till vår musik mycket lättare. Vanligtvis lite från Jazz eftersom det finns många paralleller. Jag tror inte att rockmusik lämnar sig för mycket för Carnatic utan att gå in i fusionsgenren.

Jag tycker att jazz är den västerländska, eller snarare amerikanska, motsvarigheten till karnatisk musik. Båda liknar improvisationsmusik. Jag undrar ofta varför människor inte provar jazztekniker i karnatisk musik eftersom det skulle göra konserter mer färgstarka även utan att förlora sin klassicism eller allvar

Ja du har rätt, Jazz ligger närmast Carnatic. På grund av den vanliga termen klassisk jämför alla klassisk sydindisk eller nordindisk klassisk musik med västerländsk klassisk som standard. Men om man tittar på det tekniska och konsertpresentationen så liknar jazz mer karnatisk musik. Till exempel, medan de har ett refräng, har vi en rad från en låt eller en pallavi i raga-tanam-pallavi. Pallavi är detsamma som att ta ett refräng som i Jazz och improvisera om och om igen. Tanam liknar under tiden att scatta. Vi tar bara ett par stavelser som inte har någon lyrisk innebörd och blandar melodi och rytm tillsammans.

En annan parallell är den kompetensnivå du behöver

Även när det gäller träning är det väldigt likt karnatisk musik. Deras färdigheter eller utbildning kan handla om hur man sjunger, spelar piano, saxofon eller trummor. Det är en teknisk utbildning. Och de lyssnar mycket. Jazzartister spelar ständigt eller lyssnar på något. När de väl behärskar de tekniska färdigheterna kommer deras kreativitet efter en viss tid in eftersom de också lyssnar mycket. De har teknisk expertis för att göra vad som helst i huvudet. Det meddelandet från hjärnan till din röst eller fingrar tas om hand på grund av dina tekniska färdigheter. Det är samma sak i Carnatic också.

En stillbild från MadRasanas Gopala Gokula Music -videofotografering.

Men det är konstigt att jazzmusiker kom från dålig bakgrund medan Carnatic har en annan sociokulturell profil som ibland anklagas för att ens vara exklusiv

Förmodligen har det något att göra med hur kulturen utvecklats i ett samhälle. Ja, demografin är mycket kontrasterande, medan träningen, stilen och sättet att komma på idéer är så lika. Som en parallell struktur. Från nästan början.

Men i Carnatic, finns det inte någon form av regimentation även i improvisation eftersom det styrs av ett gammalt konservativt system?

Tja, jag skulle säga att det fortfarande finns vissa regler även i jazz: de har en rytmisk cykel på gång och även om de inte följer en raga som vi gör, har de ett läge eller en skala. Det finns vissa anteckningar som kommer i det här läget, ordningen på noterna kanske inte är särskilt strikt, och då och då kommer de att ta in en utländsk ton bara för kontrasten men de går tillbaka. De följer mest sin skala, vilket liknar det vi gör. Ja, du har dock rätt. I Carnatic -musik tycker jag att det finns några människor som försöker införa många regler.

Ibland låter till och med lite ofullkomlighet bra, eller hur?

Jag tror inte på rätt och fel sätt. Det är mer som bra och dåligt. Och detta kan bedömas utifrån en konstnärs erfarenhet och mognad. Till exempel finns det en identitet för en raga. Du behöver inte höra alla noterna i skalan för att veta att det är en Todi eller en Sankarabharanam. Från en fras kan du veta vilken raga det är. Hur identifierar du en raga även om jag inte har sjungit alla toner? Och var kommer detta rätt och fel ifrån? Musikpresentationen ska handla om estetiken och den koppling den skapar. Jag gillar personligen inte att sådana regler införs för varje liten sak.

Tidigare sångare som Madurai Somu och samtida musiker som Sanjay Subrahmanyan har många okonventionella inslag i sin musik som gör dem till en genre för sig själva. Är du inte inspirerad att göra något liknande?

De är definitivt mycket inspirerande artister för mig. Men jag vill inte medvetet göra något okonventionellt bara för att ha min egen genre. Kanske en dag kommer jag att se tillbaka och se att jag gjorde okonventionella saker, men jag skulle vilja att det var naturligt och kom i rätt tid på egen hand. Kanske kommer det att resultera i en annan genre, som du säger. Ofta gillar jag bara att lyssna på något och uppskatta dess skönhet, snarare än att dissekera det och bestämma om det är konventionellt eller om det har trätt in i ett nytt utrymme. De nya utrymmena kommer att bildas organiskt när jag växer, och när min musik mognar ännu mer.

Hur viktig är din kontakt med publiken?

Det är oerhört viktigt för mig. Om jag sjunger i en mörk hall kommer jag att be arrangörerna att tända lamporna eftersom jag inte vill sjunga till en svart vägg. Jag vill se människorna, deras ögon, deras reaktioner, allt. För min del livnär jag mig så mycket. Om jag inte känner att de är med mig eller om de inte reagerar positivt, ändrar jag min kurs direkt. Det är en konversation. Publiken svarar och kommunicerar tillbaka till mig på sitt eget sätt. Utan publiken, vem sjunger vi för? De är en integrerad del av konsertupplevelsen. När jag har en mycket mottaglig publik känner jag att jag kan sjunga vad som helst. Jag känner mig som en superman på de dagarna. Om jag inte får något svar kan jag till och med börja tvivla på mig själv.

Använder du kontakten med publiken som en teknik för att få deras feedback?

Jag tror att i de första två låtarna får du hitta fickorna i publiken som verkligen reagerar på vad du gör. Mina ögon och mitt fokus tenderar att gå tillbaka till dem naturligt. Jag gör det inte medvetet, men det händer instinktivt. Ibland tittar du instinktivt på dem en extra sekund för deras validering av vad du sjunger också, eftersom de tyst har gett mig den feedbacken fram till den tiden.

Är publiken i Chennai lyhörd?

Åh ja, absolut. Du bör komma ihåg att i Chennai utsätts publiken för så mycket musik, så den genomsnittliga rasikaen i Chennai är ganska utbildad i karnatisk musik. Det finns en anledning till att alla kommer hit från hela världen. Varför flyttade jag från LA till Chennai? Att göra ett namn här är verkligen utmaningen. Publiken här är mycket kräsen, men kommer att ge dig ärlig feedback.

Sandeep Narayan säger att man kan komma undan med vissa saker som borderline -gimmicks på vissa ställen, men i Chennai måste man vara försiktig eftersom publiken har sett allt. (Expressfoto: Rajappane Raju)

Hur generösa är de för att ge feedback?

Du kan komma undan med vissa saker som borderline -gimmicks på vissa ställen, men i Chennai måste du vara försiktig eftersom publiken har sett allt. Jag kan säga, jag har turnerat runt i världen och sjungit för alla publik, men Chennai kommer att svara jag bryr mig inte om vart du har tagit vägen, du måste sjunga för mig nu. (skrattar)

Det är ödmjukt på många sätt. Att få en positiv reaktion från en Chennai -publik betyder mycket. Och de svarar, de ger det där det beror på. Om du försöker göra något för att få deras uppskattning kommer de att se igenom det. Men om du och din musik är äkta kommer de att svara. Du kan bli förvånad när de uppskattar något när du inte förväntade dig det. Det kan vara en verklighetskontroll.

Det är det fina i Chennai-ekosystemet eftersom det är det som upprätthåller denna karnatiska tradition. Är det inte?

Ja. Ekosystemet handlar inte bara om artisterna utan också publiken. Utan dem kanske vi inte driver vår musik till högre nivåer lika mycket. Jag säger alltid till studenter och konstnärer som bor utanför Chennai att komma hit och se vad människor i deras åldersgrupp eller kamrater gör musikaliskt.

Bra passform är framgångsrik i Chennai och på andra håll, eller hur?

Det är den perfekta balansen. Här finslipar du verkligen dina färdigheter. Under tiden kommer uppträdanden på andra ställen att lära dig hur du presenterar annorlunda för olika målgrupper. Båda är nödvändiga för att vara en framgångsrik artist.

Gör improvisationens utmaning dig sårbar på scenen?

Jag känner att man borde vara lite sårbar på scenen. Jag känner mig ledsen om en artist känner att det han eller hon ska presentera på scenen måste vara perfekt. I det ögonblick du börjar göra det utforskar och utökar du inte din musikaliska kreativitet så mycket du kan. Nu är du mer orolig för det kommersiella paketet. Du försöker behålla ett varumärke eller namn som du har etablerat. Det måste finnas en balans mellan standarden som du har fastställt medan du fortfarande utforskar kreativiteten. Det betyder att du måste vara sårbar till viss del inför publiken.

När jag kommer upp på scenen är det en viss del av mig som är säker och säger, Okej, det här är min komfortzon. Men om jag bara ska göra det jag vet är säkert och redan testat, hur ska jag då gå till nästa nivå som artist? Sårbarheten jag syftar på handlar om att öppna dig själv för publiken och säga, hej jag försöker något och låt oss tillsammans se hur det går. Det är också en del av samtalet jag pratade om tidigare.

Sandeep Narayan uppträder vid en konsert på Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, 2015.

I en av våra amerikanska turnékonserter försökte jag en komplicerad korvai som jag hade tränat tillräckligt, men det fungerade inte bara medan jag stod på scenen. Det fungerade inte en gång, två gånger och tredje gången trodde jag att det skulle hända, men det gjorde det inte. Just nu stängde något i min hjärna av. Om jag hade fått en tyst minut att tänka och räkna ut det hade jag kunnat hantera det; men talam pågick, publiken tittade på och det fanns ingen tid att tänka. Slutligen avslutade jag med en annan korvai. Men när mridangam artisten började spela solo spelade han korvai korrekt. Jag gick omedelbart med och sjöng den med honom. Sedan meddelade jag för publiken att det var det jag försökte sjunga. Jag sa också att om jag inte hade fått det, hade jag inte kunnat sova den natten! (skrattar)

Dessa brister gör konserter minnesvärda, eller hur?

Jag tror det, men jag vill inte att sådana saker ska hända ofta. Om något naturligt och organiskt händer är det bra. Något planlöst hände och jag var transparent. Jag tror att det är sårbarheten som vi pratade om. Jag vill att min konsert ska vara så äkta som möjligt.

Hur planerar du för en konsert?

Jag försöker att inte upprepa de ragor och kompositioner som jag har sjungit på den platsen under det senaste förflutna, men du kan inte undvika upprepning ibland om du vill inkludera en ghana raga, eftersom det bara finns ett begränsat antal sådana. Och vanligtvis, om jag undviker dem på en konsert, kommer folk naturligtvis att fråga varför det inte fanns någon Bhairavi, Thodi eller Kamboji etc. Och de har också rätt. För att undvika upprepning kommer jag antagligen att sjunga en annan komposition, eller använda en ghana raga i en Pallavi en dag, och som huvudämne en annan dag etc.

Den andra saken är att skaffa en mängd olika kompositörer och talams. Och också olika ragor när det gäller kontrast. Du måste ta med lyssnaren på den resan och därför ge du lite variation.

Det beror också på var jag sjunger. I Tamil Nadu sjunger jag en eller två tamilska sånger, i Karnataka, en eller två Kannada -låtar och i Kerala en eller två Swathi Thirunal -sånger. Blanda kända låtar och lägg till en eller två sällsynta. Vi måste hela tiden balansera. Det är så jag närmar mig en konsert. Ändrar jag listan efter att ha kommit på scenen? Ja hela tiden. Efter att ha nått platsen och sett publiken tror jag ibland att min plan inte kommer att fungera bra och därför gör ändringar i spelet!

När folk kommer till dig med förfrågningar under konserten, stör de då ditt upplägg?

Om jag får en förfrågan i förväg är det lättare att införliva den i min konsertplan. Ibland överensstämmer dessa förfrågningar också med ditt tänkande. Ibland gör de det inte men jag har inget emot det. Jag gör i alla fall mitt bästa för att uppfylla de flesta förfrågningar jag får under konserter. Det är trots allt vårt jobb att sjunga vad publiken vill.

Vissa sångare lägger till nya kompositioner i sina repertoarer för att förnya sin konsert? Säg, för att testa att lägga till modern poesi som en komposition eller en Pallavi.

Jag gör det förmodligen inte aktivt eftersom det finns så mycket redan ute. Kanske är detta något jag skulle göra mer medvetet på vägen när jag känner att tiden är rätt.

Vad är ditt tillvägagångssätt för att utforska ragor?

Det finns vanligtvis ett skelett för vanliga hörda ragor och det är vårt jobb att fylla det kreativt. Ghana -ragorna erbjuder mycket utrymme i det avseendet. Och i de flesta ragor finns det alltid etablerade sangathis du kan falla tillbaka på om en ny väg du tar inte fungerar. När jag sjunger dessa ragor känner jag mig säker på att utforska och experimentera mer, samtidigt som jag återvänder till de testade mönstren och övergångarna.

Sedan finns det ragor med liten eller ingen ram och mall eftersom de nästan aldrig sjungs. Detta är den andra ytterligheten. Här kommer din frihet från det faktum att det finns lite tidigare utforskning. När jag sjunger sådana ragor kanske jag försöker göra många nya saker, för vem kommer att säga att jag inte sjöng det ordentligt? Det finns ingen aning om vad som är korrekt och accepterat i detta fall.

Sandeep Narayan får ett pris på Music Academy.

Hur hanterar du de sällan sjungna ragorna? Hur utvecklar du dem med begränsade kompositioner och referenser?

Jag antar att när min musikaliska mognad växer dyker det upp olika saker i mitt huvud. Till exempel, i en sällan hörd raga som Deepali, förutom några sangathis och en skala, har inte mycket fastställts. I sådana fall kan jag ta en lapp och bestämma att det är min landningspunkt. Vanligtvis kommer ingen att säga att det är fel. Men du tar en äldre och välkänd raga-liknande Devamanohari-och ändrar landningsnotan, det kommer att låta besvärligt eftersom det redan har satt sig i lyssnarnas sinne på ett visst sätt. I sådana fall börjar raga -identiteten förvandlas till något annat.

hur ofta ska du vattna inomhusväxter

Men några av dessa sällsynta ragor är hindustani. Kan du inte använda hindustaniska referenser?

Du kan, men deras gamakas är olika. Raga -tillvägagångssättet är annorlunda. Du kan imitera Hindustani till viss del- säg att du kan få Pantuvarali att låta som Basant eller Puriya Dhanashree. Samma toner kommer att låta annorlunda när de sjungs i hindustansk stil.

Gör du det ibland?

Ja det gör jag. Jag gillar det (skrattar). Det är en personlig preferens.

Detta påminner mig om en inspelning av en Pallavi av TN Seshagopalan där han sjunger parallella fraser mellan Carnatic Bhairavi och Sindhu Bhairavi (som är som Hindustani Bhairavi). De sakerna är riktigt coola för mig, men du måste vara försiktig så att du inte avviker från anteckningarna som är vanliga med andra ragor. Det är ingen lätt sak.

Du är en ganska uttrycksfull sångare. Hur upplever du? Behöver du till exempel känna hängivenheten personligen för att få en hängiven låt att fungera?

Inte hos dem alla, men i vissa gör jag det. Många gånger kommer betydelsen av låten att hjälpa dig att få fram känslorna. Ibland finns känslan i själva ragan. Ibland kan det vara en koppling till låten eller en koppling med kompositören. Till exempel vet vi innebörden av låten varugalaamo i Manji av Gopalakrishna Bharathi. Jag sjunger inte den låten och tänker på mig själv som den som längtar efter att få se gudomen, men jag får känslomässigt tänkande hos kompositören som har skrivit så vackert och beskrivit en sådan situation.

Någon raga som du känner dig känslomässigt ansluten till sent?

På sistone har jag en viss kontakt med Thodi. Min kontakt med ragas är olika för varje och förändras hela tiden. Det kanske låter klyschigt, men jag har lärt mig att det finns en anledning till att så många artister går tillbaka till denna raga i synnerhet och varför den har det rykte den gör. Det är bara sju anteckningar, men det finns något så stort utöver det. Jag känner att jag går ner i en Thodi -tunnel och lär mig mer och mer om raga när jag sjunger den, och när jag tror att jag kanske är ute ur tunneln inser jag att det finns ännu mer att göra med denna underbara raga och jag gräver ännu djupare.