Glädje och ilska i balans: konsten Lorraine O’Grady

O'Grady föddes i Boston, den andra dottern till jamaicanska invandrare. Hon växte upp i Roxbury, ett grannskap med nyanlända svarta, irländska och judiska befolkningar, som ligger bara några kvarter från stadens huvudgren i Boston Public Library och Museum of Fine Arts.

Ett foto från Brooklyn Museum; Jonathan Dorado visar installationsvy, Lorraine O'Grady: Både/Och, med en video av hennes blandade hår, mellan landskap av Frederic Church och Thomas Cole, femte våningen, Brooklyn Museum i New York. En undersökning på museet utstrålar stor upprördhet även om den finner skönhet och styrka i en rad olika identiteter. (Brooklyn Museum; Jonathan Dorado via New York Times)

Skrivet av Holland Cotter

På 1960-talet tog några av oss droger, krypterade kön och provade globala religioner för att skaka oss loss från det vi såg som binärt tänkande i västerländsk stil, en syn på världen baserad på strikt hållna goda-dåliga, rätt-fel motsatser : vit mot svart, rak mot gay, vi mot dem. Fem decennier senare reglerar sådant tänkande fortfarande i en rödblå nation, vilket gör retrospektivet av Lorraine O'Gradys karriär på Brooklyn Museum till en stor korrigerande händelse.

Konstnären flaggar sitt eget motstånd mot antingen/eller i själva titeln på hennes show: Lorraine O’Grady: Both/And. Eftersom hon under en lång karriär-hon nu är 86-konsekvent har format sin konst på en annan modell, en av balanserade fram och tillbaka-par: personliga och politiska; hem och världen; ilska och glädje; stenhårda idéer och en lätt formell touch.

Även om utställningens arrangörer - Catherine Morris, seniorkurator på museet; författaren Aruna D’Souza; och Jenée-Daria Strand, kuratorassistent-har flätat sin konst genom flera gallerier på fyra våningar, vi är inte i blockbusterland här. Huvuddelen av denna undersökning kan troligen pressas in i ett par handväskor. De flesta av hennes stora verk var engångsföreställningar som överlever nu som fotografier och handskrivna anteckningar.

Att skriva är ett viktigt inslag i hennes arbete. Hennes tidigaste projekt, med anor från 1977 och som markerar sin debut som bildkonstnär, är en uppsättning collagadikter bestående av fraser ur klipp från The New York Times. Deras närvaro, tillsammans med fall av arkivmaterial-gulnande bokstäver, listor, diagram, uttalanden-gör showen till en uppbromsningsupplevelse, en fiberrik måltid efter ett pandemiår som gynnar ögongodis online.

regnskogsdjur bilder och namn

Och hennes konst är en produkt av en strukturerad personlig historia, en med några raka rader. O'Grady föddes i Boston, den andra dottern till jamaicanska invandrare. Hon växte upp i Roxbury, ett grannskap med nyanlända svarta, irländska och judiska befolkningar, som ligger bara några kvarter från stadens huvudgren i Boston Public Library och Museum of Fine Arts. Som barn tillbringade O'Grady mycket tid i båda, med sitt tidiga intresse lutande mot litteratur.

Ett foto från Garrett Bradley och The Museum of Modern Art; Robert Gerhardt visar en scen från Lime Kiln Club Field Day, en outgivna film från 1914 som är utdrag i Garrett Bradleys Amerika, hennes fyra-skärm videoinstallation på Museum of Modern Art i New York. Bradleys genomarbetade videoinstallation, som återupprättar tysta och anmärkningsvärda stunder i början av 1900-talets svarta liv, finns på MoMA. (Garrett Bradley och The Museum of Modern Art; Robert Gerhardt via New York Times).

Efter examen från college, där hon tog ekonomi och språk, började hon på en episodiskt skrivcentrerad karriär. Hon arbetade som forskare och översättare för Labor Department i Washington och flyttade sedan till Europa för att starta en roman. I början av 1970 -talet var hon i New York och bidrog med rockrecensioner till The Village Voice och undervisade i kurser om Dada och surrealistiskt skrivande vid School of Visual Arts. Hennes var ett utpräglat både/och liv, till vilket hon 1977 lade till konstverk.

Detta började nästan av misstag. Efter ett medicinskt ingrepp det året tackade hon sin läkare med en gåva av en hemlagad alla hjärtans dag: en collage-dikt med flersidor som hon klippte från Sunday New York Times. Sedan, för sig själv, under de kommande sex månaderna gjorde hon två dussin. Tre av originalen finns på Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art på fjärde våningen, där större delen av föreställningen är installerad. I detta sammanhang verkar de vara symboliska för ett liv som, till denna punkt, själv var en collage av intressen och influenser.

lista över nötter med bilder

Nästa logiska steg var att presentera sig för den professionella scenen. Det hon mötte var nivåer av de facto segregation. Den övervägande vita vanliga konstvärlden hade ingen tid för henne som en självbeskriven karibisk afroamerikan. Den lilla, tätt sammansatta, mestadels manliga svarta konstvärlden hade lite utrymme för henne som kvinna. Den vita, medelklassiga feministiska konströrelsen beviljade inträde men höll henne på armlängds avstånd.

Karakteristiskt var hennes svar att slå ut snarare än att dra sig tillbaka, och hon gjorde det genom konst: föreställningar i gerillastil i personligheten av Mlle Bourgeoise Noire (Miss Black Middle Class), en åldrande men pigg och munsig skönhetsdrottning som klädde sig i en klänning sytt av formella vita handskar och dök upp, oinbjudna, på offentliga konstevenemang.

I den här skepnaden, 1980, kraschade hon en öppning i Just Above Midtown, ett galleri på Manhattan med en helt svart lista, och ropade att svart konst måste ta fler risker! Hon följde upp detta med ett framträdande vid öppnandet av en helt vit show av performancekonst på New Museum, där hon utmanade institutionens anspråk på att vara ett alternativt utrymme och förklarade att en invasion var nära förestående.

Mlle Bourgeoise Noires vita handskeklänning finns i Brooklyn-showen, liksom en serie fotografier som dokumenterar hennes utseende på New Museum. Dessa nu klassiska gester av svart feministiskt rymdhävdande utstrålar hög upprördhet och lurig humor och känns år före sin tid, liksom ett andra stort prestationsverk ett par år senare.

1983, efter att ha fått höra av en kollega i den feministiska rörelsen att avantgardekonst inte har något att göra med svarta människor, bestämde O’Grady att visa något annat genom att delta i Afro-American Day Parade i Harlem. För ett föreställningsstycke med titeln Art Is ... anlitade hon en flottör och artister för att rida på den, var och en med en tom förgylld bildram. När flottören tog sig upp Adam Clayton Powell Jr. Boulevard, föll artisterna ner på gatan och bjöd in åskådare att posera för fotografier inom ramarna, för att förvandlas till konst. Biten blev en hit. Människor som lät göra sina porträtt var - du kan se det på foton - sprudlande. (Och det är fortfarande en hit: Det inspirerade en video som producerades av Biden-Harris-kampanjen 2020.)

O'Grady var också på flotten, leende och såg detta mycket offentliga konceptuella konstverk utvecklas. Min favorit av hennes uppträdanden stämmer dock från ett år tidigare och var mer privat. Med titeln, Rivers, First Draft eller The Woman in Red, är det ett slags semi-självbiografiskt pilgrims framsteg. Iscensatt på en sommardag, i ett avlägset hörn av Central Park, återskapar verket symboliskt scener från konstnärens liv. En vit skådespelare spelar hennes avskilda, oklanderliga mamma; en annan spelar O’Grady som ett drömmande, bokigt barn. Och artisten, klädd i passionsröd, spelar en version av sitt föränderliga vuxna jag. Traumer antas - romantiska förluster, politiska sammandrabbningar, till och med en våldtäkt - men berättelsen, som gick som ett medeltida mysteriespel och fångades i 48 färgfotografier, slutar med en ritualistisk vada genom helande vatten och det som känns som ett tillstånd av fred.

Familjen är konstnärens återkommande ämne. Och Miscegenated Family Album (1980/1994), kanske hennes mest välbekanta verk, består av parade bilder av två av dem: drottning Nefertiti och hennes barn avbildade i skulpturer från 18-dynastin och O'Gradys äldre syster, Devonia, som dog 1962, lämnar barn bakom sig, som det ses på familjefoton.

blomma som ser ut som hibiskus

Utställningen i museets antika egyptiska konstgallerier på tredje våningen är en meditation över mänskliga förbindelser-systerskap, moderskap, åldrande-över tid. Men det handlar också om en odödlig rasismhistoria: västerländska historiker har traditionellt sett den gamla egyptiska kulturen som för klassisk/vit för att vara afrikansk och för afrikansk/svart för att vara europeisk. O'Grady och hennes biraciala Jamaican-Boston-familj är tilldelade en liknande limbo, kvar flytande bland identiteter-afrikanska, amerikanska, afroamerikaner, karibiska-utan att vara förankrade i någon i en vare sig/eller värld.

Det faktum att de deltar i alla dessa identiteter, och att det är en källa till deras skönhet och styrka, verkar vara budskapet i showens enda video, Landskap (västra/halvklot), som gjordes 2010/2011. Installerat på Arts of the Americas-gallerierna på femte våningen och ligger mellan storslagna, landgripande vista-målningar i New World av Frederic Church och Thomas Cole, ser videon först ut som en kontinuerlig bild av tätt, prasslande lövverk. Faktum är att det är en närbild av O'Gradys blandade hår, för att låna D’Souzas beskrivning i katalogen. Med sina nyanser och färger mörka och ljusa och dess texturer böjda och raka är det ett förkroppsligat exempel på både/och.

Förutom att vara retrospektivets medkurator är D’Souza redaktör för Lorraine O’Grady: Writing in Space, 1973-2019, en bok med konstnärens skrifter som publicerades av Duke University förra året. Det är en absorberande läsning från pärm till pärm, ingen överraskning med tanke på konstnärens rötter i litteraturen. Och datumen för dess innehåll och för verken i Brooklyn sammanfaller i stort sett, med undantag för seriens senaste del.

Med titeln Announcement of a New Persona (Performances to Come!), Och daterad 2020, är ​​det en fotografisk serie med konstnären själv i sken av en riddare som är helt och hållet-i själva verket osynligt-innesluten i en dräkt med medeltida rustning på den tredje golv. Signalerar rustningen beredskap för strid eller självskyddande reträtt? Du ser det och tänker conquistador (dåligt), tills du upptäcker en miniatyrpalm (bra) som sprider sig från hjälmen, vilket tyder på hennes karibiska/jamaicanska arv. Exakta betydelser, liksom de utlovade framträdandena, har ännu inte avslöjats. Men klart, något både/och är uppe, tänkt med den moraliska skärpan, kvickheten och den humana galansen som alltid har präglat den standard som denna konstnär bär på fältet.